皆非——宋小松：艺术的裂痕

皆非——宋小松：艺术的裂痕

Fred Dervin（文德）教授，芬兰赫尔辛基大学

译者：陈宁，天津美术学院;（芬兰）赫尔辛基大学

Fred Dervin（文德）问宋小松，“你来自哪里？”

“我说我是‘世界公民’有点自命不凡。但为什么不呢？无论如何，我有三个绕不开的重要支点：我的父亲来自保加利亚；我的母亲是中国人。还有法国——不知何故，所有这些都是我生存的动力。”宋小松回答道。

（宋小松采访，2023年9月）

2023年9月中旬，香港M+博物馆：我站在一幅迷人的彩色摄影作品前，照片上是中国人和保加利亚人组成的四口之家。这张照片充满着温暖、爱和团结。照片最前面并排坐着的父母代表了两个独特的融合。左边的母亲是中国人，优雅、大方、温暖、自信。 她穿着一件时尚的黑白格子外套，一件红色毛衣若隐若现，与面前桌上装点的红色康乃馨完美搭配。 坐在这位优雅女士旁边的是一位拥有保加利亚血统的父亲，他穿着西式西装，和蔼可亲。 他的姿势和神态所传达出的对于这段跨越国籍、跨越文化的爱情和家庭的幸福感和满足感可见一斑。 在他们身后，站着的正是他们的一儿一女。 两人均身着黑衣，他们的身上传承着来源自父母的独特气质，温暖，阳光，自信。儿子五官深邃，女儿皮肤白皙，他们既有着欧洲人深邃的轮廓，同时也有着亚洲人温暖明媚的神态。

这张照片是香港“全球视觉文化博物馆”M+——“谁是宋女士？”展览的重要展品之一。该展览的主要焦点是宋怀桂（1937-2006），她将知名法国服装品牌皮尔·卡丹引入，并在北京开办了马克西姆餐厅，她是法国饮食文化和服装艺术的传播者，是我国最早的时尚先驱。M+展览是这样介绍宋女士的，“在她的一生中，宋女士一次又一次地重塑自己，承担了艺术家、设计师、模特、演员、企业家、时尚偶像和创意先锋等多种身份。她为人处事充满魅力，作为一名艺术家也很大胆，给时代银幕带来了神秘的光环。”谁是宋女士？也是一个关于她家人的展览。上述照片中坐在她旁边的保加利亚男子是挂毯艺术家万曼（Maryn Varbanov，1932-1989年），他们相识于1954年，那时候的万曼还是中央美术学院（北京）的一名交换生。1956年，他们有情人终成眷属，并成为了周恩来总理特批的“新中国第一例跨国婚姻”。1962年，他们迎来了宋小松 (Phénix Varbanov) 的出生。

于我（指文德）而言，我从来不喜欢拿父母来说道，因为对我来说这总是会引起一些复杂的情感，会产生压力感，甚至引起不适感。当我开始提笔宋小松 (Phénix Varbanov) 在 ICI LABAS（艺栈798，北京）新艺术展的介绍时，我给这位他带来了这个潜在的尴尬境地。 然而，让我从一开始就说，尽管人们总能在观点、价值观和其他特征方面找到与父母的联系，但从宋小松的作品中不难看出，他寻求开辟属于自己的美学和哲学道路，并构建自己的多重身份。正如艺术家的采访中所述，他的身份多样，他的支点够多，他才能够开创一条独特的欧洲与中国之间的跨文化交流。这些所谓的“支点”使他成为一座桥，这座桥始终能帮助人们走向另一面。宋小松将他的使命定义为“打破文化之间的隔阂”。

褶皱与岩浆

宋小松曾就读于法国巴黎国立高等美术学院和杭州中国美术学院。他还曾在北京的中央美术学院工作，在那里他对中国传统的纸上水墨技法产生了浓厚的兴趣。他的艺术创作可以追溯到几十年前，基于不同技术（绘画、素描、装置和摄影）的使用，展示了（至少）三种不同文化的交叉影响：保加利亚、中国、法国。

这位艺术家的名字非常适合讨论和描述他的艺术。宋小松（英语：Phoenix），译为凤凰。凤凰是一种神鸟，在各种文化和艺术形式中都占有重要地位。在古埃及艺术中，凤凰的描绘与太阳神联系在一起，并被认为是重生和复活的永恒循环的体现。凤凰的视觉表现通常包括太阳和火，强调它与不朽和宇宙能量之间的联系。在东亚艺术中，凤凰是一个受人尊敬的象征，具有深厚的文化意义和精神意义。在中国神话中，凤凰被喻为美丽、美德与和谐的象征。凤（fèng）字代表雄性，凰（huáng）代表雌性。 重要的是，中国文化中的凤凰概念也包含阴阳原理。雄性凤凰象征着阳能量，象征着太阳、光明和主动，雌性凤凰象征着阴能量，象征着月亮、黑暗和被动。两只凤凰的结合象征着对立面之间的和谐，创造了世间所必需的完美平衡。展览中大家很快就会注意到，阴阳的形式在瓦尔班诺夫的作品中无处不在。

《Sans Titre 无题 2018-1》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

总而言之：凤凰的象征意义经常涉及希望、重生、超越和灵性的主题，但也涉及宇宙和太阳能以及对立面之间的和谐。宋小松在他的艺术中使用皱巴巴的中国宣纸，摩擦、浸透、稀释墨水，以及使用诸如红色颜料等大胆的色彩，常常让我想起凤凰是如何活活烧死自己，然后从灰烬中破茧而出，它重生了。艺术家的矩形作品也可以卷起和展开，从而提供无限的组合，形成活力与张力。

《Sans Titre 无题 2018-2》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

当我们以艺术家和个人不同的身份与宋小松接触时，我们被敦促重新思考自我复杂的身份：我们是谁？（或者谁是“我们”？）我们可以同时成为多个“我们”吗？我们在何时何地属于他人？由谁决定？宋小松告诉我们，人人都是“凤凰”。就像他的艺术作品一样，我们是褶皱的，多变的身份组成的。 我们尝试着观察内部或外部的间隙和裂缝（它们看起来像自然表面和景观，如山峦或岩层），这些间隙和裂缝经常出现在他的艺术作品中，它提醒我们要重新思考自己的身份。宋小松还提醒我们，我们不需要“明确”、“永久”、“坚定”地给自己定位，而是要探索自己要成为谁。 与此同时，艺术家告诉我们，我们可以同时处于两个地方，处于多个地点、时间和身份的间隙——同时在那里、这里，抑或别处。对于瓦尔班诺夫来说：“我们都是多元的； 我们内心都具有多元性”。最后，宋小松提醒我们变化对我们作为人类/社会存在的影响。我们就像凤凰一样，在复杂的生命轮回中不断重生。

《Sans Titre 无题 2018-3》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

艺术家并没有回答我们关于我们褶皱和岩浆的问题，但是，通过站在他的艺术前冥想，我们可以从灰烬中跳出来，让自己重生……从一件艺术品转移到另一件艺术品，我们再次将我们自己“活活烧死”。有趣的是，阅读艺术家之前的一些展览标题，人们会注意到这些复杂而无尽的过程和审问的暗示：《弹性》（1989）、《中国综合症》（北京，1992）、《多姿多态》（巴黎，2008）、《身体与灵魂》（巴黎），2010)。

《Sans Titre 无题 2018-4》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

皆非

“我是用大豆制成的保加利亚酸奶的混合物”

（宋小松采访，2023 年 9 月）

我用“间隙”和“裂痕”这个词来指代宋小松的艺术作品中无处不在的间隙、过渡和界限空间。间隙/裂痕与身份之间的联系深入探讨了空间、体验和自我意识形成之间错综复杂的关系。理解间隙和身份之间的联系凸显了接受我们身份复杂性的重要性，认识到它们不是固定的，而是不断受到我们居住的空间和我们遇到的人的影响。通过承认和探索生活中的间隙，我们可以加深对自己的了解，培养对他人身份的同理心，并庆祝人类存在的丰富性和多样性。身份的核心是文化、社会、个人和心理等多种因素的复杂组合。它不是一个静态的实体，而是一个动态且不断发展的概念。文化或社会背景之间的间隙和缝隙在以多种方式塑造和影响我们的身份方面发挥着重要作用。因此，宋小松本人不得不经历不同文化和语言背景之间的间隙。对他而言，这些间隙成为各种元素交叉共存的交汇点，塑造了他复杂的自我意识。对于我们所有人来说，这样的间隙提供了自我反思、内省和自我发现的机会。它们既可以是自由的，也可以是具有挑战性的。

《Sans Titre 无题 2018-5》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

我认为，“neither”这个词能很好地概括艺术家在这次展览中所呈现在我们眼前的东西。在英语中，neither是用来描述不属于或不满足两个或多个选择中任何一个的事物的。它指的是存在两种选择，但所讨论的却并不属于这两种选择的情况。因此，neither指在两个相反的选择之间不进行选择，或者对任何一个选项都不满意。这个词用来表示某事或某人不属于或超出范围内的选项。在保加利亚语（艺术家的语言之一）中，neither被翻译不建议两者中的任何一个，强调对这两个项目或选择的否定或缺失。

在所有语言中，不同的符号（例如标点符号）都能代表两者皆非的模糊的状态：

- 斜杠符号 (/) 用作两个选项之间的分隔符或间隔符，表示无需专门选择其中一个。

- 连接号 (-) 也可用于表示两者均不，表示中断，暗示所提到的两个选项都不相关。

- 空集（Æ）是常用来表示以上两者都不是或都不代表的符号。

因此，“neither”这个词很适合来描述小松的艺术表达，不确定，不从属，不依附等等：

作为宋小松个体，他不是中国人，不是保加利亚人，同时也不是法国人……既不是东方人，也不是西方人……既不从属于他的母亲，也不依附于他的父亲

作为一名艺术家，他的作品既不属于中国艺术，也不是西方艺术……既不是中国水墨，也不属于西方色彩……既不是圆形，也不是矩形……既不是经过计算的，也不像是随机的……既不在这里也不在那里（与ICI LABAS/艺栈画廊的意思同义）…（艺术家的多重身份和多重经历，我们可以看到艺术家的作品中结合了多种中外技法，所以才形成了他自己的独特的艺术特点和艺术表现形式）

《Sans Titre 无题 2018-6》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

当我与宋小松交流的时候，他说他很难做出选择；“（很多时候）我们被（外界）强迫相信，我们必须做出选择。但（其实）我们不必选择”。 他补充道：“我们应该犹豫。我们应该懂得如何犹豫”。艺术家正是在这个复杂多变的二元世界中提出质疑并加以思考和创作。艺术家的“非也”十分特别，当我们（参观者）站在他的作品前观察时，我们会去思考生命中的缝隙与裂痕。

《Sans Titre 无题 2018-7》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

小松的每一个身份都为他提供了不同的元素，这些元素构成了他个人的“非”性，他努力在他的作品中结合和重塑这些元素。我们前面已经说过了他的艺术表现深受中国和西方艺术的影响。宋小松借用了“保加利亚综合症”和“保加利亚戏剧”，即忧郁和悲伤的表达来形容他的艺术。他在保加利亚这个拥有700万人口，位于欧洲东南部的巴尔干半岛的国家长大。 而保加利亚在古往今来都是重要的交通枢纽，这也使该国成为了多元文化主义的“岩浆”。小松说，他从“灵魂深处”进行绘画的事实直接源于他的保加利亚身份。他说：“我用灵魂作画，不然我的艺术就会显得太过肤浅”。他的作品由纸张、黑色墨水和少数颜色形成的间隙、裂痕和褶皱，是他内心想法和精神努力的写照——就像在告诉观众要更深入地挖掘自己内心深处的想法！

《Sans Titre 无题 2018-8》

180x100cm，2018

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

宋小松说，他经常喜欢使用英语，因为于他而言，英语是一种“中性语言”。他觉得保加利亚语、中文或法语（他的三种主要语言）很少能概括他的作品。而在艺术表达的介质上，英语能够提供强大的支撑。

“无所不在”的概念在科学、技术和哲学等各个领域都得到了讨论和争论。宋小松认为，“无所不在”是一个与现实相悖地乌托邦理论，因为实现完全“无所不在”通常被认为是难以置信的。然而，随着当今技术的发展，人们已经努力创建“无所不在”的系统和网络，其中计算设备就可以与个人及其周围环境无缝交互。一个明显的例子是互联网的出现，它实现了不同地区信息流动的即时性，并改变了全球范围内的通信。通过融合物理和数字，我们的作为社会人的身份也发生了重大的改变，并为自我表达、身份探索和联结提供了新的途径。

当我们欣赏宋小松的作品时，我们并不清楚是在观察山面或岩层等间隙和裂缝的内部还是外部。我们是进来还是出去？我们到底身处何方？他人又在哪里？通过作品感知，我们彷佛失去了定位感，就像艺术家一样，我们需要重组和重新思考我们的立场。艺术家的作品并没有提供透明和隐形的幻觉，而是提醒我们身份的折叠和褶皱。 他似乎在告诉我们要挑战传统，突破自我的界限。我们不依附，也不从属，我们即在里面，也在外面；在这里，亦在那里；在远处，也在咫尺。

很多时候，我们被要求接受我们是谁，并准确地定义自我的身份，从而打破模糊的自我认知。和我们所有人一样，宋小松也在他的艺术作品中经历了这些危机时刻：“目前我对西方建构主义很感兴趣。 我觉得有必要重组我生活中的混乱，以适应来自中国灵感”。 宋小松可能会同意作家阿娜伊斯·宁（Anaïs Nin）所写的“混乱中孕育着丰饶”的观点……

《Golden gate constellation金门星宿 2022-1》

100x100cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

宋小松的皆非：对每位观众来说是至关重要的动力。

  “一只眼睛看，另一只眼睛感觉。”—— 保罗·克利

在欣赏宋小松的画作时，法国著名哲学家亨利·柏格森的生命动力观念让我们着迷。 生命动力是指驱动我们所有人、指导我们行动、感知和成长的动力。 与中国人“气”的理念类似，生命动力对应于推动生命前进的能量，使我们能够在复杂的环境和与他人的关系中适应和生存。对于柏格森来说，生命不是一个静态的概念，而是一个不断变化的过程。因此，生命的动力就是生命的内在动力。理解生命动力概念的一种方法是将其与河流进行比较。柏格森声称生命就像河流一样流动，不断流动和演变。生命动力是推动这种流动的能量，为成长和发展提供动力，并促使我们承认生命的动态和不可预测的本质。

《Golden gate constellation金门星宿 2022-2》

100x100cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

我们可以说，宋小松的艺术作品旨在让我们了解生命动力对我们的影响。在他艺术中，我们可能会看到诸如峡谷、汉字、裂缝、身体器官、肌肉、肉体、宇宙图像和火山等等。宋小松说“火山喷发造就的纹理总是在我的艺术中反复”。这种形式的生命动力也为他的艺术留下了空间和想象——正如艺术家所说，“是被神秘所操控”。

艺术家在艺术中运用的色彩也促使我们拥抱生命的活力。宋小松在他的画作中通过单色以及忽明忽暗的光线表达，一些作品则添加些许颜色进行点缀，例如红色，他声称红色可以赋予空间活力，而蓝色和棕褐色，就像“泥土”一样，将他的艺术变的更加“接地气”，但也更加神秘。对于小松来说，每种颜色都有自己特定的表达。他喜欢中国的宣纸，通过“雕刻”宣纸来表达艺术创作，从而形成他在法语中所说的“mouvements mouvementés”（英语中的“动荡的运动”），进而增强艺术生命的活力。

在与宋小松（Phénix Varbanov）交谈时，我被他的作品所传达出的真正的利他主义所感动。小松关心我们这些参观者（利他主义中的拉丁词“alter”指的是“我们”，即艺术家以外的其他人），他邀请我们在他的作品前专注和冥想，让我们从内而外的“消化”，通过观察形状、颜色和运动形成的生命“舞蹈”，让我们慢慢观察、反思。

在我们的谈话中，宋小松坚持认为，他的艺术旨在促进与参观者之间的沟通，以及情感的交流。他甚至分享了他最喜欢的一句话，即“创造艺术而不是战争”，这是他构建跨文化桥梁的使命与任务，在某种程度上是通过他的家族历史发展起来的，作为个体和艺术家无时不刻不在体现。

宋小松的保加利亚姓氏Varbanov，源自“Varban”一词，在保加利亚语中意为牧羊人或监护人。正如小松，他像温柔的牧羊人一样，引导我们通过他的艺术创作，重新审视我们生活和身份的间隙、缝隙、裂痕……

《Golden gate constellation金门星宿 2022-3》

100x100cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique 

Neither – Glancing inside and outside Phénix Varbanov’s crevices

Prof. Dr. Fred Dervin, University of Helsinki, Finland

Fred Dervin: “Where are you from, Phénix Varbanov?”

Phénix Varbanov: “It would be a bit pretentious to say that I’m a ‘citizen of the world’. But why not? In any case, I have three important pillars: a pillar from my father who was from Bulgaria; a Chinese pillar by my mother and then France – somehow, all these pillars all keep me alive.”

(Interview of Phénix Varbanov, September 2023)

M+ Museum, Hong Kong mid-September 2023: I am standing in front of an enchanting colour photography of a Chinese-Bulgarian family of four. The photograph seems to radiate warmth, love and togetherness in its own way. At the forefront of the photo, sitting side by side, are the parents who represent the merging of two unique worlds. On the left, the mother, of Chinese descent, possesses an air of grace, elegance and warm confidence. She is wearing a stylish checkered white and black jacket, revealing a red sweater that matches perfectly with a red carnation placed on the table in front of her. Seated next to her, the father, of Bulgarian heritage, emanates an amiable disposition in his Western suit. His soft smile and relaxed posture seem to reveal the contentment that could come from embracing affection across cultures. Behind the parents, towering in the background, stand their two children – a grow-up son and daughter. Both dressed in black, though visibly different from each other, they seem to share the radiant glow and inherited qualities that have been passed down from their diverse lineage. The son stands with confidence behind his mother, looking straight into the camera but sideways. His features intertwine his ethnic backgrounds, his facial structure revealing the duality of his origins – a blend of his father’s striking Bulgarian characteristics and his mother’s distinctive Chinese features. Similarly, his sister exudes a unique beauty that reflects both her Chinese and Bulgarian heritage, casting a captivating charm with her dark hair and expressive eyes. The connection among members of what appears to be a special family is palpable.

This picture was one of the exhibits at the important exhibition entitled Who is Madame Song? at Hong Kong’s ‘global museum of visual culture’, M+. The family is the Song-Varbanovs and the main focus of the exhibition was Song Huai-Kuei (1937-2006), the famous fashion icon who introduced Pierre Cardin to China and created Maxim’s of Beijing. This is how the M+ exhibition introduced Song: “Throughout her life, Madame Song remade herself again and again, assuming a variety of identities as an artist, designer, model, actress, entrepreneur, fashion icon, and creative pioneer. She was charismatic in her dealings with others and bold as an artist, and brought a mysterious aura to the screen.” Who is Madame Song? was an exhibition about her family too. The Bulgarian man sitting next to her on the aforementioned picture is the tapestry artist Maryn Varbanov (1932-1989), whom she met when he was an exchange student at Beijing’s Central Academy of Fine Arts in 1954. They were the first mixed marriage to be authorized in 1956 since the Liberation of China. Both shared a love of textiles and Varbanov’s career as both a textile artist and a teacher developed in China, where he tried to combine, like his wife, Western and Chinese traditions. Born in 1962, Phénix Varbanov is the son of Song Huai-Kuei and Maryn Varbanov.

《Golden gate constellation金门星宿 2022-4》

100x100cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

Personally, I have never liked to be compared to my parents since it always elicited mixed feelings, created a sense of pressure and even provoked a sense of discomfort in me. As I start writing about Phénix Varbanov’s new art exhibition at ICI-Labas (798, Beijing), I inflict this potentially awkward moment onto the artist. Yet, let me say from the start that, although one could always find connections to his parents’ achievements in terms of perspectives, values and traits (intercultural hybridity; the use of bold sculptural forms in his crumpled rice paper; multifaceted personal and artistic identities), Phénix’s exhibition is a testament to his desire to carve out his own aesthetic and philosophical path of mature self-discovery and to establish his own complex identity. In the opening interview excerpt above, the artist refers to his famous family as diverse ‘pillars’, who pioneered intercultural relations between China and Europe. He also speaks of them as having helped him to serve as “a connecting bridge which materializes regardless of people’s efforts to close themselves off in front of other people”. Phénix defines his mission as “breaking down the walls between cultures”.  

《Golden gate constellation金门星宿 2022-5》

50x50cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

Folded and magmatic identities

Phénix studied at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris (France) and at the Chinese Art Academy in Hangzhou. He has also worked at the Chinese Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he developed a strong interest in the traditional Chinese technique of ink on paper. His art production already dates back several decades and has been based on the use of different techniques (painting, drawing, installations and photography), showcasing intersecting influences from (at least) three different cultures: Bulgaria, China, France.

The artist’s name could not be more adequate to discuss and describe his art. Phénix (Phoenix in English). The phoenix, a mythological bird, holds a significant place in various cultures and art forms throughout history. In ancient Egyptian art, the depiction of the phoenix was associated with the sun god and was believed to be a manifestation of the eternal cycle of rebirth and resurrection. Visual representations of the phoenix often included the sun and fire, emphasizing its connection to immortality and cosmic energy. In East Asian art, the phoenix is a revered symbol with deep cultural and spiritual meanings. In Chinese mythology, the phoenix, known as 鳳凰 (fènghuáng), was considered a symbol of beauty, virtue and harmony. The character 鳳 (fèng) refers to the male phoenix, while 凰 (huáng) represents the female phoenix. Importantly, the concept of the phoenix in Chinese culture also encompasses the merging of the Yin and Yang principles. While the male phoenix embodies the Yang energy, symbolizing the sun, light, and activity, the female phoenix symbolizes the Yin energy, embodying the moon, darkness, and passivity. The union of the two phoenixes symbolizes the harmony between opposites, creating a perfect balance essential for a prosperity and harmony. As the visitor will quickly notice, the circular format of the Yin and Yang is omnipresent in Varbanov’s work.

《Golden gate constellation金门星宿 2022-6》

50x50cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

To summarize: the symbolism of the phoenix often taps into themes of hope, rebirth, transcendence, and spirituality but also cosmic and solar energy, and harmony between opposites. Phénix’s use of crumpled and wrinkled Chinese rice paper, rubbing, saturating and diluting ink and the inclusion of e.g., bold colours such as red paint in his art often remind me of how the phoenix burns itself alive, and springing out of the ashes, gets itself re-born – coming pliantly back to life again. The artist’s larger rectangular pieces can also be rolled up and unrolled, thus offering limitless combinations and revitalizations (like the Phoenix).

When we get to engage with Phénix as an artist and a person, we are urged to unthink and rethink our complex identities: Who are we? (or maybe Who am ‘we’?) Can we be several ‘wes’ at the same time? Where and when do we belong with others? Who decides? Phénix tells us that we are all ‘phoenixes’. Like his art pieces, who we are is composed of folded, crumpled and magmatic identities. We try to look inside and/or outside the interstices and the crevices (which look like natural surfaces and landscapes such as mountain faces or rock formations), often found in his art pieces to interrogate our identities. Phénix also reminds us that we don’t need to position ourselves ‘clearly’, ‘permanently’ and ‘firmly’, instead we are asked to explore who we are becoming. At the same time the artist tells us that we can be at two places at the same time, at the interstice of several places, times and identities – (t)here, here and there at the same time. For Varbanov: “We are all multicultural; we all have plurality inside of us”. Finally, Phénix reminds us of the influence of change on who we are as human/social beings. Like the phoenix, we keep being re-born in the complex cycle of life.

The artist does not provide answers to the questions we ask about our folded and magmatic identities but, by meditating in front of his art, we can spring out of our ashes and get ourselves re-born… moving from one art piece to another, we burn ourselves alive again. Interestingly, reading through some of the titles of the artist’s previous exhibitions one notices hints at these complex and endless processes and interrogations: Elastics (1989), Chinese Syndrome (Beijing, 1992), Polymorphic (Paris, 2008), Body and Soul (Paris, 2010).

《Golden gate constellation金门星宿 2022-7》

100100cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

Neither

“I am a mix of Bulgarian yogurt made of soya”

(Interview of Phénix Varbanov, September 2023)

I have used the word interstices and crevices to refer to the omnipresent gaps, transitions and liminal spaces found in Varbanov’s art pieces. The connection between interstices/crevices and identity delves into the intricate relationship between spaces, experiences and the formation of one’s sense of self. Understanding the connection between interstices and identity highlights the importance of embracing the complexities of our identities, recognizing that they are not fixed but constantly shaped by the spaces we inhabit and the people we encounter. By acknowledging and exploring the interstices in our lives, we can foster a deeper understanding of ourselves, cultivate empathy towards others’ identities, and celebrate the richness and diversity of human existence. Identity, at its core, is a complex composition of various elements such as cultural, social, personal, and psychological factors. It is not a static entity but rather a dynamic and ever-evolving concept. Interstices and crevices between e.g., cultural or social contexts, play a significant role in shaping and influencing our identity in multiple ways. As such Phénix himself has had to experience interstices between his different cultural and linguistic backgrounds. For him, these interstices have become the meeting points where various elements intersect and coexist, shaping his own complex sense of self. For us all, such interstices provide opportunities for self-reflection, introspection, and self-discovery. They can be both liberating and challenging.

I believe that the determiner and pronoun neither symbolises well what the artist is presenting in front of our eyes in this exhibition. In English, neither is a word used to describe something that does not belong to or satisfy any of two or more alternatives. It refers to a situation where there are two choices or options presented, but the subject in question falls outside of both possibilities. Neither thus refers to a non-selection between two contrasting choices, or the absence of satisfaction with either option. It is a word used to indicate that something or someone falls outside of or does not belong to the alternatives presented. In Bulgarian (one of the artist’s languages) neither can be translated as никой от двата (nikoy ot dvata) which is a compound word consisting of никой (nikoy) meaning nobody and от (ot) meaning from, and двата (dvata) meaning the two. никой от двата suggests nobody from the two, emphasizing the negation or absence of both items or choices.

In all languages, different symbols (e.g. punctuation) can symbolise neither, representing a lack of affiliation and/or a state of ambiguity:

- The slash symbol (/) serves as a divider or alternative between two options without specifically choosing one over the other.

- A dash (-) can also be used to represent neither by suggesting a break or interruption, implying that neither of the options mentioned is relevant.

- An empty circle (Æ) is a symbol often used to represent neither or none of the above.

Neither thus seems apt to describe Varbanov’s personal artistic endeavours, demonstrating some kind of lack of commitment to a particular choice, affiliation, or preference:

As a person, Phénix is… neither Chinese nor Bulgarian (and not French either)… neither East nor West… neither his mother nor his dad… neither Yin nor Yang… neither French nor Chinese… neither ‘Bulgarian yogurt’ nor ‘soya’…

As an artist his work is… neither Chinese art nor Western… neither black ink nor Western colours… neither round nor rectangular… neither calculated nor random… neither here nor there (to hint at the name of the gallery, ICI-LABAS/HERE-THERE)…

《Golden gate constellation金门星宿 2022-8》

50x50cm，2022

纸质、水墨设色、丙烯金

encre de Chine papier chinois acrylique

During the interview that I made of Phénix, he often stated his incapacity to choose: “It is hard to make a choice”; “We are made to believe that we need to make a choice. But we don’t have to choose”. He added: “We should hesitate. We should know how to hesitate”. These attest to the artist’s need to question traditional binaries in a complex and fluid intercultural world like ours. Although some visitors might think that Phénix’s ‘neitherness’ is very special, meditating in front of his art, they can also interrogate their own neither… nor… identities, attempting to look into the interstices and crevices of the pieces. We are all (t)here.

Each of Varbanov’s origins have provided him with different elements that compose his neitherness that he endeavours to combine and reshape in his work. We have already discussed the artistic influences of China on the techniques that he uses and mixes with more Western ones. From Bulgaria, a country which has been somewhat marginalized linguistically and culturally in the West, Phénix borrowed what he refers to as both ‘the Bulgarian syndrome’ and ‘Bulgarian dramaturgy’, i.e., melancholy and sadness. He grew up in the country of 7 million inhabitants, which occupies the eastern portion of the Balkan Peninsula in south-eastern Europe. Bulgaria was intersected by different historically important routes, which also makes the country also a ‘magma’ of multiculturalism. According to Phénix the fact that he paints from the ‘depths of his soul’ derives directly from the Bulgarian side of his identity. He says: “I paint with my soul, otherwise my art would be too superficial”. The aforementioned interstices, crevices and crumples formed by the paper, black ink and the few colours that the artist uses, could thus reveal snapshots of his inner thoughts and spiritual endeavours – while asking us to dig deeper into our own!

When asked to put a word on what he tries to achieve through the complex processes of ‘neitherness’ as a person and an artist, Phénix uses the English word ubiquity to do so, turning the somewhat negative formulation of neither into a state or quality of omnipresence, availability and existence. On using the English language to do so, the artist explains that he likes to use English because, for him, it is a ‘neutral language’. He also argues that Bulgarian, Chinese, or French (his three main languages) rarely work to summarize his work. English offers strong symbolism to do, he claims.

《Sans Titre 无题2019-9》

175x175cm，2019

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

The concept of ubiquity has been discussed and debated in various domains, including science, technology and philosophy. Ubiquity is a utopia incompatible with reality, Phénix maintains, since achieving complete ubiquity is often viewed as implausible. However, with today’s technological advances, efforts have been made to create ubiquitous systems and networks, where computing devices seamlessly interact with individuals and their surroundings. One obvious example is the advent of the internet, which has made information flow between diverse locations almost instantaneous and has transformed communication on a global scale. By merging the physical and the digital, our sense of identity has been highly impacted by such revolutions in recent decades, providing new avenues for self-expression, identity exploration and connections.

When we look at Varbanov’s work, it is unclear if we are looking inside or outside some interstices and the crevices of e.g., mountain faces or rock formations. Are we in or out? Or are we in neither location? Where is self? Where are other people? Are we ubiquitous? Through the paintings, we lose our sense of positioning and thus, like the artist, we need to restructure and rethink where we stand. No Magnetic Resonance Imaging (MRI) could ever allow us to look inside or outside the paintings without physically entering them – the artist’s work does not provide the illusion of transparency and invisibility but reminds us of the folding and magma of our identities. Neitherness and ubiquity are states that all of us encounter. They invite us to defy traditional categorizations and to explore alternative narratives. We are this and that but not just this or that. We belong and we don’t belong. We are inside and outside.

It is important to say that neitherness and ubiquity are not easy and obvious processes for human/social beings. Often, we are asked to come up to terms with who we are and to determine precisely our identities, thus breaking the shell of the chaos of neitherness and ubiquity. Like all of us, Phénix also experiences these moments of crisis in his artistic work: “At the moment I am interested in western constructivism. I feel the need to restructure the chaos I live in, in order to adapt to my Chinese inspirations”. Phénix would probably agree with the writer Anais Nin when she wrote that “In chaos, there is fertility”…

《Sans Titre 无题2019-10》

175x175cm，2019

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

Varbanov’s Neither: A vital impetus for every visitor

 “One eye sees, the other feels.”

(Paul Klee)

While engaging with Varbanov’s paintings, the renowned French philosopher Henri Bergson’s idea of the vital impetus embraces us. Vital impetus refers to the dynamic force that drives all of us, guiding our actions, feelings and growth. Similar to the Chinese idea of Qi (气) vital impetus corresponds to the energy that propels life forward, allowing us to adapt and survive in our complex environments and relations with others. For Bergson, life is not a static concept but rather a continuous process of becoming. Vital impetus is thus life’s inner dynamic. One way to grasp the concept of vital impetus is by comparing it to a river. Bergson claims that life flows like a river, constantly moving and evolving. Vital impetus is the energy that propels this flow, providing the driving force for growth and development and urging us to acknowledge the dynamic and unpredictable nature of life.

We could claim that Varbanov’s art pieces aim to engage us with what vital impetus does to us. In the art, we might see the work of this energetic force through what some of us might see as (randomly) ravines, Chinese characters, crevices, technologically enhanced pieces, body organs, muscles, flesh, videographies of universes and planets, volcanoes, etc. Phénix maintains that he “constructs in a volcanic magma. It is always becoming in the back and forth of the materials and textures I employ in my art”. This form of vital impetus leaves space to the mysterious and the magical too, according to the artist – ‘the mysteriously controlled’, he adds.

The colours that the artist makes use of in his art also urge us to embrace the vital impetus of life. Phénix expresses himself by means of the monochrome, as well as deep and shadowy lights in his paintings. He has also added a few colours to some pieces such as red, which he claims dynamizes space, blue, and sepia, an ‘earthy colour’ which turns his art into some kind of wilderness, see outer space environments. For Varbanov, each colour has its own wish to express something special. As a tactile artist, he also likes to play with the Chinese rice paper (to ‘tame’ it), sculpting it a bit, forming what he calls in French ‘mouvements mouvementés’ (‘tumultuous movements’ in English), adding some depth to the vital impetus of the art pieces.

In conversing with Phénix Varbanov, I am touched by the genuine altruism that he showcases through his work. Varbanov cares about us the viewers and visitors (the Latin word alter in altruism refers to ‘us’, the artist’s others). He does invite us to meditate and focus in front of his work, to experience neitherness and ubiquity, to evolve inside/outside the crevices and ourselves/other people, to observe the ‘dance’ of life that the shapes, colours, and movements form in front of us. Phénix suggests that we take the time to soak up all of this slowly.

During our conversation, Varbanov insists that his art is meant to initiate communication, care and emotional/intellectual enrichment in and amongst the visitors. He even shares his favourite slogan, ‘make art not war’, hinting at the mission of the intercultural mediator, somewhat developed through his family history, that he takes very seriously as a person and an artist.

It might not be a coincidence that Phénix’s family name, passed onto him by his father, the tapestry artist Maryn Varbanov, derives from the word varban which means shepherd or guardian in Bulgarian. With his art, he invites and guides us gently to glance inside the crevices of our lives and identities…  

《Sans Titre 无题2022-1》

80x80cm，2022

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

Ni l’un, ni l’autre – Scruter l’identité dans les fissures de Phénix Varbanov
Prof. Dr Fred Dervin, Université d’Helsinki, Finlande

Fred Dervin : « D’où venez-vous, Phénix Varbanov ? »

Phénix Varbanov : « Ce serait un peu prétentieux de dire que je suis un ‘citoyen du monde’. Mais pourquoi pas ? De toute façon, j’ai trois piliers importants : celui de mon père qui était de Bulgarie ; celui de ma mère et ensuite la France - d’une manière ou d’une autre, tous ces piliers me maintiennent en vie ». 
(Entretien avec Phénix Varbanov, septembre 2023)

Musée M+, Hong Kong, mi-septembre 2023 : Je me tiens devant une ravissante photo en couleur d’une famille sino-bulgare de quatre personnes. À sa manière, la photographie semble rayonner de chaleur, d’amour et de convivialité. Au premier plan de la photo, assis côte à côte, se trouvent les parents qui dessinent la fusion de deux mondes uniques. À gauche, la mère, d’origine chinoise, dégage une élégance, une grâce et une chaleur assurées. Elle porte une élégante veste à carreaux blancs et noirs, révélant un pull rouge qui se marie parfaitement avec l’œillet rouge placé sur la table devant elle. Assis à côté d’elle, le père, d’origine bulgare, dégage une disposition aimable dans son costume occidental. Son sourire doux et sa posture détendue semblent révéler la satisfaction qui découle d’une certaine affection interculturelle. Derrière les parents, se tiennent leurs deux enfants, un fils et une fille d’âge adulte. Tous deux vêtus de noir, bien que visiblement différents l’un de l’autre, ils semblent partager l’éclat rayonnant et les qualités héritées qui leur ont été transmises par la famille. Le fils se tient derrière sa mère, tout en confiance, regardant droit dans l’appareil photo mais de côté. Ses traits mêlent ses origines ethniques, son visage révélant la dualité de ses origines – un beau mélange de son père bulgare et de sa mère chinoise. De la même manière, sa sœur dégage une beauté unique qui reflète à la fois son héritage chinois et bulgare, exerçant un charme captivant avec ses cheveux noirs et ses yeux expressifs. La connexion entre les membres de cette famille bien spéciale est palpable.

《Sans Titre 无题2022-2》

80x80cm，2022

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

Cette photo est tirée de l’exposition importante intitulée Qui est Madame Song? qui s’est tenue au musée mondial de la culture visuelle de Hong Kong, le Musée M+. C’est la famille Song-Varbanov. Le focus de l’exposition était Song Huai-Kuei (1937-2006), l’icône de mode célèbre qui a introduit Pierre Cardin en Chine et créé Maxim’s de Pékin. Voici comment le commissaire de l’exposition présente Song : « Tout au long de sa vie, Madame Song s’est reconstruite encore et encore, assumant diverses identités en tant qu’artiste, designer, modèle, actrice, entrepreneure, icône de la mode et pionnière créative. Elle était charismatique dans ses relations avec les autres et audacieuse en tant qu’artiste, et elle apportait une aura mystérieuse à l’écran ». Qui est Madame Song? était également une exposition sur la famille de Song. L’homme d’origine bulgare assis à côté d’elle sur la photo mentionnée ci-dessus est l’artiste spécialiste de la tapisserie Maryn Varbanov (1932-1989), qu’elle a rencontré lorsqu’il était étudiant en échange à l’Académie centrale des Beaux-Arts de Pékin en 1954. Depuis la Libération de la Chine, ils représentaient le premier couple mixte autorisé à se marier en 1956. Ils partageaient tous deux un amour pour les textiles et la carrière de Varbanov en tant qu’artiste textile et professeur s’est développée en Chine, où il a essayé de combiner, comme sa femme, les traditions occidentales et chinoises. Né en 1962, Phénix Varbanov est le fils de Song Huai-Kuei et de Maryn Varbanov.

《À la recherche de l’univers perdu 寻找失落的宇宙2019-14》

350x180cm，2019

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

Personnellement, je n’ai jamais aimé être comparé à mes parents car cela suscitait toujours des sentiments mitigés et même provoquait un sentiment d’inconfort en moi. Alors que je commence à écrire sur la nouvelle exposition de Phénix Varbanov à l’ICI LABAS (798, Pékin), j’inflige cette maladresse à l’artiste. Pourtant, permettez-moi de dire dès le début que, bien qu’on puisse toujours trouver des liens avec les accomplissements de les parents de Phénix en termes de perspectives, valeurs et traits (hybridité interculturelle ; utilisation de formes sculpturales audacieuses avec le papier de riz froissé ; identités personnelles et artistiques multifacettes), son exposition est le témoignage de son désir de se frayer son propre chemin esthétique et philosophique, de découverte de soi et de son besoin d’établir sa propre identité. Dans l’extrait d’entretien d’ouverture ci-dessus, l’artiste qualifie sa célèbre famille de ‘piliers’ divers, qui ont été des pionniers dans les relations interculturelles entre la Chine et l’Europe. Il parle également d’eux comme l’ayant aidé à servir de « pont reliant qui se matérialise malgré le manque d’intérêt des uns pour les autres ». Phénix définit sa mission comme servant à « abattre les murs entre les cultures ».

Identités pliées et magmatiques

Phénix a étudié à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris et à l’Académie d’Art Chinois de Hangzhou. Il a également travaillé à l’Académie Centrale Chinoise des Beaux-Arts de Pékin, où il a développé un grand intérêt pour les techniques traditionnelles chinoises de l’encre sur papier. Sa production artistique remonte déjà à plusieurs décennies et est fondée sur l’utilisation de différentes techniques (peinture, dessin, installations et photographie), mettant en évidence des influences croisées d’au moins trois cultures différentes : Bulgarie, Chine, France.

Le nom de l’artiste ne pourrait pas être plus approprié pour parler de son art. Phénix. Le phénix, l’oiseau mythologique, a occupé une place importante dans diverses cultures et formes d’art à travers l’histoire. Dans l’art égyptien ancien, la représentation du phénix était associée au dieu soleil et était considéré comme une manifestation du cycle éternel de la renaissance et de la résurrection. Les représentations visuelles du phénix incluaient souvent le soleil et le feu, soulignant son lien avec l’immortalité et l’énergie cosmique. Dans l’art de l’Asie de l’Est, le phénix est un symbole vénéré aux significations culturelles et spirituelles profondes. Dans la mythologie chinoise, le phénix, connu sous le nom de 鳳凰 (fènghuáng), était considéré comme un symbole de beauté, de vertu et d’harmonie. Le caractère 鳳 (fèng) fait référence au phénix mâle, tandis que 凰 (huáng) représente le phénix femelle.

《Alien 外星人 2023-1》

100x300cm，2023

纸质、水墨设色

ink and wash on paper

Il est important de noter que le concept de phénix dans la culture chinoise englobe également la fusion des principes du Yin et du Yang. Alors que le phénix mâle représente l’énergie Yang, symbolisant le soleil, la lumière et le mouvement, le phénix femelle personnifie l’énergie Yin, incarnant la lune, l’obscurité et la passivité. L’union des deux phénix symbolise l’harmonie entre les contraires, créant un équilibre parfait, essentiel à la prospérité et à l’harmonie. Comme le visiteur le remarquera rapidement, le format circulaire du Yin et du Yang est omniprésent dans l’œuvre de Varbanov.

Pour résumer : le symbolisme du phénix puise souvent dans les thèmes de l’espoir, la renaissance, la transcendance et la spiritualité, mais aussi dans l’énergie cosmique et solaire, et l’harmonie entre les contraires. L’utilisation que fait Phénix du papier de riz chinois froissé, de l’encre qu’il frotte, sature et dilue et l’inclusion, par exemple, de couleurs vives telles que la peinture rouge, dans son art me rappellent comment le phénix se brûle vif et, jaillissant de ses cendres, renaît – revenant docilement à la vie. Les plus grandes pièces rectangulaires de l’artiste peuvent également être enroulées et déroulées, offrant ainsi, tel le phénix, des combinaisons et des ‘revitalisations’ illimitées.

À travers ses œuvres, Phénix nous invite à repenser nos identités complexes : Qui sommes-nous ? (ou peut-être : ‘Qui sommes-je ?’) Peut-on être plusieurs je et nous en même temps ? Qui décide ? En fait, Phénix nous dit que nous sommes tous des « phénix ». À l’image de ses œuvres d’art, qui nous sommes est composé d’identités pliées, plissées et magmatiques. Nous essayons de regarder à l’intérieur et/ou à l’extérieur des interstices et des crevasses de ses travaux, qui ressemblent à des surfaces naturelles et à des paysages tels que des parois montagneuses ou des formations rocheuses, et interrogeons nos identités. Phénix nous rappelle également que nous n’avons pas besoin de nous positionner « clairement », « définitivement » et « fermement », mais qu’il nous est demandé d’explorer qui nous devenons. L’artiste nous dit également que nous pouvons être à deux endroits en même temps, à l’interstice de plusieurs lieux, temps et identités – ici et là-bas en même temps. Pour Varbanov : « Nous sommes tous multiculturels ; nous avons tous de la pluralité à l’intérieur de nous ». Enfin, Phénix nous rappelle que nous changeons tout le temps. Comme le phénix, nous renaissons en permanence dans le cycle complexe de la vie.

L’artiste n’apporte pas de réponses aux questions que nous nous posons sur nos identités pliées et magmatiques mais, en méditant devant son art, nous pouvons renaître de nos cendres et recommencer le processus... En passant d’une œuvre d’art à l’autre, nous nous ‘brûlons vifs’ à nouveau. Fait intéressant, en parcourant certains des titres des expositions précédentes de l’artiste, on remarque des allusions à ces processus et interrogations complexes et sans fin : Elastics (1989), Chinese Syndrome (Beijing, 1992), Polymorphic (Paris, 2008), Body and Soul (Paris, 2010).

《Rouleau 2023-2》

180x100cm，2023

纸质、水墨设色

ink and wash on paper

Ni l’un, ni l’autre

« Je suis un mélange de yaourt bulgare et de soja. »

(Interview de Phénix Varbanov, septembre 2023)

J’ai utilisé les mots interstices et crevasses pour désigner les hiatus, les transitions et les espaces liminaux omniprésents dans les œuvres de Varbanov. Comprendre le lien entre ces interstices et l’identité souligne l’importance de s’interroger sur la complexité de nos identités, tout en reconnaissant qu’elles ne sont pas fixes mais constamment façonnées par les espaces que nous habitons et les personnes que nous rencontrons. En reconnaissant et en explorant ces interstices, nous pouvons favoriser une compréhension plus profonde de nous-mêmes, cultiver une certaine empathie envers l’identité des autres et célébrer la richesse et la diversité de l’existence humaine. L’identité, à la base, est une composition complexe de divers éléments tels que les facteurs culturels, sociaux, personnels et psychologiques. Il ne s’agit pas d’une entité statique, mais plutôt d’un concept dynamique et en constante évolution. Ainsi, les interstices et les crevasses entre les contextes culturels ou sociaux jouent un rôle important dans la formation de notre identité de multiples façons. Phénix a dû lui-même faire l’expérience d’interstices entre ses différents milieux culturels et linguistiques. Pour lui, ces interstices sont devenus des points de rencontre où divers éléments se croisent et coexistent, façonnant son propre soi de façon complexe. Pour nous tous, ces interstices offrent des occasions d’introspection et de découverte de soi. Ils peuvent être à la fois libérateurs et stimulants.

Je crois que l’expression ni l’un ni l’autre symbolise assez bien ce que l’artiste présente sous nos yeux dans cette exposition. Celle-ci est utilisée pour décrire une situation où deux choix ou options se présentent, mais le sujet en question ne relève pas des deux possibilités. Ni l’un ni l’autre fait donc référence à une non-sélection entre deux choix opposés, ou à l’absence de satisfaction avec l’une ou l’autre option. En bulgare (l’une des langues de l’artiste), ni l’un ni l’autre se traduit par никой от двата (nikoy ot dvata) qui est un mot composé de никой (nikoy) signifiant personne et от (ot) de, et двата (dvata) les deux. никой от двата suggère la négation ou l’absence de choix entre deux entités.

Dans toutes les langues, différents symboles (par exemple : la ponctuation) peuvent symboliser l’idée de ni l’un ni l’autre, un manque d’affiliation et/ou une ambiguïté :

- Le symbole de barre oblique (/) sert de séparateur ou d’alternative entre deux options sans avoir à choisir spécifiquement l’une plutôt que l’autre.

- Un tiret (-) peut également être utilisé pour représenter ni l’un ni l’autre, suggérant ainsi une rupture ou une interruption (ce qui implique qu’aucunes des options mentionnées n’est pertinente).

- Un cercle vide (Æ) est un symbole souvent utilisé pour représenter ni l’un ni l’autre ou rien de ce qui précède.

Ni l’un ni l’autre semble donc apte à décrire les efforts artistiques personnels de Varbanov, démontrant une sorte de manque d’engagement envers un choix, une affiliation ou une préférence particulière :

En tant que personne, Phénix n’est... ni chinois, ni bulgare (et pas français non plus)... ni Orient, ni Ouest... Ni sa mère, ni son père... ni Yin, ni Yang... ni français, ni chinois... ni ‘yaourt bulgare’, ni ‘soja’...

En tant qu’artiste, son travail est... ni l’art chinois, ni l’art occidental... ni encre noire, ni couleurs occidentales... ni rond, ni rectangulaire... ni calculé, ni aléatoire... ni ici, ni là (en référence au nom de la galerie, ICI LABAS)...

Lors de l’entretien que j’ai fait de Phénix, il a souvent fait part de son incapacité à choisir :                  « Il est difficile de faire un choix » ; « On nous fait croire que nous devons faire un choix. Mais nous n’avons pas à choisir ». Et d’ajouter : « Nous devrions hésiter. Il faut savoir hésiter ». Tout ceci semble témoigner du besoin de l’artiste de remettre en question les binarités traditionnelles dans un monde interculturel complexe et fluide comme le nôtre. Bien que certains visiteurs puissent penser que les hésitations de Phénix soient très spéciales (ni l’un, ni l’autre), lorsqu’ils méditeront devant son art, ils pourront aussi s’interroger sur leurs propres identités ‘entre deux’, tout en tentant de regarder dans les interstices et les crevasses de ses œuvres. Nous sommes tous ici et là-bas en même temps.

《Rouleau 2023-3》

180x100cm，2023

纸质、水墨设色

ink and wash on paper

Chacune des origines de Varbanov lui a fourni différents éléments qui composent son ‘ni l’un, ni l’autre’ qu’il s’efforce de combiner et de remodeler dans son travail. Nous avons déjà mentionné les influences artistiques de la Chine sur les techniques qu’il utilise ainsi que les mélanges avec des techniques plus occidentales. De la Bulgarie, un pays quelque peu marginalisé linguistiquement et culturellement en Occident, Phénix a emprunté ce qu’il appelle à la fois « le syndrome bulgare » et la « dramaturgie bulgare », c’est-à-dire la mélancolie et la tristesse. Il a grandi dans ce pays de 7 millions d’habitants, qui occupe la partie orientale de la péninsule balkanique dans le sud-est de l’Europe. La Bulgarie a été traversée par différentes routes historiquement importantes, ce qui fait également du pays un « magma » de multiculturalisme. Selon Phénix, le fait qu’il peint du « plus profond de son âme » découle directement du côté bulgare de son identité. Il explique : « Je peins avec mon âme, sinon mon art serait trop superficiel ». Les interstices, les crevasses et les froissements formés par le papier, l’encre noire et les quelques couleurs que l’artiste utilise, pourraient ainsi révéler des instantanés de ses pensées intérieures et de ses efforts spirituels – tout en nous demandant de creuser plus profondément dans nos propres pensées et identités !

Lorsqu’on lui demande de dire un mot sur ce qu’il souhaite réaliser à travers les processus complexes du « ni l’un, ni l’autre » en tant que personne et artiste, Phénix utilise le mot anglais ubiquity pour le faire, transformant la formulation quelque peu négative de ni l’un ni l’autre en un état ou une qualité d’omniprésence, de disponibilité et d’existence. En utilisant la langue anglaise pour ce faire, l’artiste explique qu’il aime utiliser cette langue parce que, pour lui, c’est une « langue neutre ». Il soutient également que le bulgare, le chinois ou le français (ses trois langues principales) fonctionnent rarement pour résumer son travail. L’anglais offre un symbolisme fort à faire, affirme-t-il.

Le concept d’ubiquité a été discuté et débattu dans divers domaines, y compris la science, la technologie et la philosophie. L’ubiquité est une utopie incompatible avec la réalité, soutient Phénix, car atteindre l’ubiquité complète est souvent considéré comme peu plausible. Cependant, avec les progrès technologiques d’aujourd’hui, des efforts ont été déployés pour créer des systèmes et des réseaux omniprésents, où les appareils informatiques interagissent de manière transparente avec les individus et leur environnement. Un exemple évident est l’avènement d’Internet, qui a rendu le flux d’informations entre divers endroits presque instantané et a transformé la communication à l’échelle mondiale. En fusionnant le physique et le numérique, notre sens de l’identité a été fortement influencé par ces révolutions au cours des dernières décennies, offrant de nouvelles voies d’expression de soi, d’exploration de l’identité et de connexions.

Lorsque nous regardons le travail de Varbanov, il n’est pas clair si nous regardons à l’intérieur ou à l’extérieur de certains interstices et des crevasses de parois de montagne ou de formations rocheuses, par exemple. Sommes-nous dedans ou dehors ? Ou sommes-nous dans aucun des deux endroits ? Où est le soi ? Où sont les autres personnes ? Sommes-nous omniprésents ? À travers les œuvres de Varbanov, nous perdons notre sens du positionnement et donc, comme l’artiste, nous devons restructurer et repenser où nous en sommes. Aucune imagerie par résonance magnétique (IRM) ne pourrait jamais nous permettre de regarder à l’intérieur ou à l’extérieur des peintures sans y entrer physiquement – le travail de l’artiste ne fournit pas l’illusion de transparence et d’invisibilité mais nous rappelle les pliages et le magma de nos identités. Ni l’un ni l’autre et l’ubiquité sont des états que nous rencontrons tous. Ils nous invitent à défier les catégorisations traditionnelles et à explorer des récits alternatifs. Nous sommes ceci et cela, mais pas seulement ceci ou cela. Nous appartenons et nous n’appartenons pas. Nous sommes à l’intérieur et à l’extérieur.

Il est important de dire que ni l’un ni l’autre et l’ubiquité ne sont pas des processus faciles et évidents pour les êtres humains. Souvent, on nous demande de nous réconcilier avec qui nous sommes et de déterminer précisément nos identités, brisant ainsi la coquille du chaos de l’un ou l’autre et de l’ubiquité. Comme nous tous, Phénix vit aussi ces moments de crise dans son travail artistique : « En ce moment, je m’intéresse au constructivisme occidental. Je ressens le besoin de restructurer le chaos dans lequel je vis, afin de m’adapter à mes inspirations          chinoises ». Phénix serait probablement d’accord avec l’écrivain Anaïs Nin (1903-1977) quand elle écrivait que « Dans le chaos, il y a la fertilité »…

《Scar 疤痕 2023-1》

100x300cm，2023

纸质、墨水、亚克力永久性马克笔

ink and wash on paper acrylic permanent marker

Le ni l’un ni l’autre de Varbanov : un élan vital pour tous les visiteurs

« Un œil voit, l’autre sent. »

(Paul Klee)

Lors de notre immersion dans les travaux de Varbanov, l’impulsion vitale du célèbre philosophe français Henri Bergson nous envahit. Cet élan vital fait référence à la force dynamique qui nous anime tous, guidant nos actions, nos sentiments et les changements dont nous faisons l’expérience. Semblable à l’idée chinoise du Qi (气), l’impulsion vitale correspond à l’énergie qui propulse la vie vers l’avant, nous permettant de nous adapter et de survivre dans des environnements complexes et dans nos relations avec les autres. Pour Bergson, la vie n’est pas un concept statique mais plutôt un processus continu de devenir. L’élan vital est donc la dynamique intérieure de la vie. Une façon de saisir le concept d’impulsion vitale est de le comparer à une rivière. Bergson affirme que la vie coule comme une rivière, en mouvement et en évolution constante. L’impulsion vitale est l’énergie qui propulse ce flux, fournissant la force motrice de la croissance et du développement et nous exhortant à reconnaître la nature dynamique et imprévisible de la vie.

Nous pourrions dire que les œuvres d’art de Varbanov nous incitent à réfléchir à cet élan vital. Ces œuvres dévoilent le travail de cette force énergétique à travers ce que certains d’entre nous pourraient voir comme des caractères chinois, des terrains vus du ciel, des ravins, des crevasses, des vidéographies de l’univers et de planètes, des volcans, des éléments technologiquement améliorés, des muscles, de la chair, etc. Phénix affirme qu’il « construit dans un magma volcanique. Tout se fait dans le devenir, dans le va-et-vient des matériaux et des textures que j’emploie dans mon art ». Cette forme d’élan vital laisse place au mystère et à la magie aussi, selon l’artiste – « le mystérieusement contrôlé », ajoute-t-il.

《Sans Titre 无题 2023/1-30》

30x30cm，2023

纸质、水墨设色

encre de Chine papier chinois

Les couleurs que l’artiste utilise dans son art nous incitent également à embrasser l’élan de la vie. Phénix s’exprime au moyen du monochrome, qui procurent des lumières profondes et sombres à ses œuvres. Il a également ajouté quelques couleurs à certaines pièces telles que le rouge, qui, selon lui, dynamise l’espace ; le bleu et le sépia, une « couleur terreuse » qui transforme son art en une sorte de nature sauvage, voir des environnements extra-terrestres. Pour Varbanov, chaque couleur exprime quelque chose de spécial. En tant qu’artiste tactile, il aime aussi jouer avec le papier de riz chinois pour l’apprivoiser, le sculpter un peu, former ce qu’il appelle des mouvements mouvementés, ajoutant une certaine profondeur à l’élan vital des œuvres.

Dans mes conversations avec Phénix Varbanov, je suis touché par l’altruisme authentique dont il fait preuve dans son travail. Varbanov se soucie de nous ses spectateurs (le mot latin alter dans altruisme se réfère à « nous », les autres). Il nous invite à méditer et à nous concentrer devant son travail, à faire l’expérience de l’absence et de l’ubiquité, à évoluer à l’intérieur / à l’extérieur des crevasses, à observer la « danse » de la vie que ses formes, couleurs et mouvements bâtissent devant nous. Phénix suggère que nous prenions le temps de nous imprégner de tout cela lentement.

Au cours d’une de nos conversations, Varbanov insiste sur le fait que son art est destiné à initier une conversation et un enrichissement émotionnel et intellectuel chez les visiteurs. Il partage même son slogan favori, « Make Art Not War », faisant allusion à la mission du médiateur interculturel, développée à travers son histoire familiale, qu’il prend très au sérieux en tant que personne et artiste.

Ce n’est peut-être pas un hasard si le nom de famille de Phénix, transmis par son père, l’artiste Maryn Varbanov, dérive du mot varban qui signifie berger ou gardien en bulgare. À travers son art, il nous invite et nous guide délicatement à regarder à l’intérieur des crevasses de nos propres vies et identités...

Phénix Varbanov宋小松

1988年/毕业于“法国”国立高等美术学院，评分优秀

FORMATION

1988/Diplômé de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, P/Mention TB

联展

2019/时空和灵魂之旅/承德/中国

2019/灵感/Galerie Art-Des画廊/北京/中国

2018/融合/ On gallery/北京/中国

2018/抽象的复苏/大皇宫画廊/巴黎

2016/第七天空/声音画廊/普罗夫迪夫/保加利亚

2014/双重接触/Espace FCF画廊/巴黎

2006/中国国际画廊展/La Bartesca-Masn画廊/北京/中国

1998/SAGA 98/巴黎

1997/艺术收藏/庭院画廊/北京/中国

1997/中国当代艺术/贝尔维尔空间画廊/巴黎

1997/一见钟情/Espace Cardin卡丹空间/巴黎

1997/Saga 97/巴黎

1995/中国艺术博览会/北京/中国

1993/亚洲艺术展/香港

1989/中国先锋派绘画/法国国立艺术学院/巴黎

1989/艺术双年展/瓦尔纳/保加利亚

1988/先锋派四艺人/杭州/中国

1987/法国国立艺术学院/巴黎

1985年/十年后/皮埃尔·卡丹空间/巴黎

1995/政府公共收藏/法国巴黎经济及社会理事会

 个人展览

2023/香港M+博物馆

2023/蓝光/咖啡图书馆/巴黎/75004

2022/活墨/卡蒂埃画廊/巴黎/75006

2022/创世纪/索菲亚文化部画廊/保加利亚

2022/墨/随机画廊/巴黎

2021/Galerie Belle Beau画廊/法国阿尔勒市

2021/创世纪/Le Petit Espace画廊/巴黎

2019/命运之线/中国文化中心/索菲亚/保加利亚索非亚

2018/墨印/艺术广场画廊/北京/中国

2018年/风暴洋/西格蒙德·弗洛伊德文献馆/巴黎

2017年/边缘现实/Galerie Arosita画廊/索菲亚/保加利亚

2017年/灵魂链接/艺术广场画廊/北京/中国

2017年/路上的痕迹/Galerie Resonance画廊/普罗夫迪夫/保加利亚

2016年/途中的痕迹/Galerie Raiko Aleksiev画廊/索菲亚/保加利亚

2013年/风水/巴黎国际艺术中心/巴黎

2012/Soylent谱/Espace Sarah Neiger画廊/巴黎

2010/Body and Soul/Espace 1画廊/巴黎

2008/多态/中国楼/巴黎

2008年/同样的旧故事/龙画廊/巴黎

2007/今日/今日美术馆/北京/中国

2006/SOHO画廊/北京/中国

2003/明斯基画廊/巴黎

1998/Galerie Schweitzer画廊/卢森堡

1997/中国之家/巴黎

1994年/Galerie BelleFroid画廊/巴黎

1992/中国综合征/中央美术学院/北京/中国

1989/弹性/巴黎东区音符学中心/巴黎

1988/法国国立艺术学院画廊/巴黎

EXPOSITIONS COLLECTIVES

2019/A journey in time space and soul/Cheng De, Chine

2019/Inspiration / Galerie Art-Des, Pékin, Chine

2018/ Convergences / On gallery, Pékin, Chine

2018/Abstract recovery/On gallery, Grand-Palais, Paris

2016/Septième ciel / Galerie Resonance, Plovdiv, Bulgarie

2014/Double exposure / Espace FCF, Paris

2006/China International Gallery Exhibition/La Bartesca-Masn Gallery, Pékin, Chine

1998/SAGA'98, Paris

1997/Collection of Art/Court Yard Gallery, Pékin, Chine

1997/Art chinois contemporain / Espace Belleville, Paris

1997/Coup de cœur/Espace Cardin, Paris

1997/SAGA'97, Paris

1995/China Art Expo, Pékin, Chine

1993/Art Asia, Hong Kong

1989/ Peinture chinoise d'avant garde / École Nationale des Arts

décoratifs, Paris

1989/Biennale des arts graphiques/Varna, Bulgarie

1988/Quatre artistes d'avant-garde / Hangzhou, Chine

1987/Galerie de l'Académie des Beaux-Arts, Paris

1985/Et dans dix ans / Espace Pierre Cardin, Paris

COMMANDES PUBLIQUES

1995/Conseil Économique et Social, Paris

EXPOSITIONS PERSONNELLES

2023/Hong Kong M+Museum

2023/Rayon Bleu/La Cafeotheque/Paris 75004

2022/Living Ink/ Galerie Catier/Paris 75006

2022 / Genesis / Galerie du Ministère de la Culture (Sredets), Sofia Bulgarie

2022/Encres/Galerie L'Aléatoire, Paris

2021/Galerie Belle Beau, Arles

2021/ Genesis / Le Petit Espace, Paris

2019/Le fil du destin / Centre culturel chinois, Sofia, Bulgarie

2018/Ink instict / Art square gallery, Pékin, Chine

2018/Oceanus procellarum / Bibliothèque Sigmund Freud, Paris

2017/Edge of reality / Galerie Arosita, Sofia, Bulgarie

2017/Soul links/Art square Gallery, Pékin, Chine

2017/Traces on the way/Galerie Resonance, Plovdiv, Bulgarie

2016/Traces on the way/Galerie Raiko Aleksiev, Sofia, Bulgarie

2013/Feng shui / Galerie de la Cité Internationale des Arts, Paris

2012/Soylent spectrum / Espace Sarah Neiger, Paris

2010/Body and Soul / Espace 1shot, Paris

2008/Polymorphe / Maison de la Chine, Paris

2008/The same old story/ Galerie du Dragon, Paris

2007/Today/Today Art Museum, Pékin, Chine

2006/Soho, Pékin, Chine

2003/Galerie Minsky, Paris

1998/Galerie Schweitzer, Luxembourg

1997/ Maison de la Chine, Paris

1994/Galerie Bellefroid, Paris

1992/Syndrome chinois/Galerie de l'Académie des Beaux-Arts, Pékin, Chine

1989/ Élastiques / Ets Phonographiques de l'est, Paris

1988/Galerie des Beaux-Arts, Paris